Tous les livres de Gilles Néret
"Quoi! toute cette chair rose, tous ces nus plantureux!" s'exclame-t-on souvent devant l'exubérance du pinceau de Rubens... C'est le roi du baroque...
Peintre, sculpteur, écrivain, réalisateur et homme de spectacle, Salvador Dalí (1904-1989) fut un des plus grands exhibitionnistes et excentriques du vingtième siècle. Il fut aussi un des premiers artistes à appliquer les théories de la psychanalyse freudienne à l'art, et devint célèbre avec ses oeuvres surréalistes, comme les montres molles ou le téléphone homard, qui sont aujourd'hui des jalons de l'entreprise surréaliste et du modernisme en général.
Dalí décrivait fréquemment ses peintures comme «des photographies de rêves peints à la main». La tension captivante qui en émane réside dans la représentation précise d'éléments bizarres et dans ses compositions incongrues. Comme l'expliquait lui-même Dalí, il peignait avec «la plus impérialiste rage de précision», mais seulement «pour systématiser la confusion et ainsi participer à discréditer totalement le monde de la réalité.»
Révolutionnant le rôle de l'artiste, le moustachu Dalí eut aussi l'intuition d'exhiber un personnage controversé dans l'arène publique et de créer à travers la gravure, la mode, la publicité, l'écriture et le cinéma une oeuvre qui pouvait être consommée et pas seulement contemplée au mur d'un musée.
Ce livre explore à la fois la peinture et la personnalité de Dalí, en présentant ses aptitudes techniques, ses compositions provocatrices et ses thèmes fétiches, souvent ardus - la mort, le pourrissement et l'érotisme.
La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.
Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses œuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.
Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise.
Ce livre présente une sélection d'œuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.
A l'aide de glaise, de bronze et de marbre Rodin a créé l'être humain, chanté les femmes, éveillé les passions, les joies, les vices. Ses personnages, "dans lesquels la douceur du péché sortait des racines de la douleur" (Rilke), ont surmonté l'épreuve du temps et nous fascinent plus que jamais.
En 1798, Napoléon Bonaparte lança une expédition composé de 35000 soldats à la conquête de l'Égypte. La campagne fut un échec militaire et politique mais il eut un profond impact et durable, et révéla la beauté d'une mystérieuse et civilisation oubliée.
Les navires de Napoléon embarquèrent également avec eux quelques 500 universitaires, des scientifiques et des artistes dont la tâche était d'étudier le pays et ses coutumes. Traversant un pays en guerre sous la chaleur étouffante du sud de l'Egypte, ils entreprirent la première étude importante d'une terre alors inconnue.
Ils découvrirent la Vallée des Rois en dehors de Thèbes. Ils trouvèrent la pierre de Rosette, qui permit de déchiffrer les hiéroglyphes. Et leurs efforts combinés aboutirent à ce qui est sûrement l'un des plus ambitieux travail jamais publié: La description de l'Egypte en 10 volumes de 837 gravures sur cuivre et plus de 3000 dessins. Il a été le catalogage les plus riches du monde portant sur trois thèmes majeurs de leur travail: «Antiquités», «Etat moderne" et "Histoire Naturelle", dont les deux premiers sont entièrement reproduits dans cette édition spéciale.
Tamara de Lempicka ou les bouleversements de la féminité et de la masculinité
En plus de sa carrière d'artiste, Tamara de Lempicka (1898-1980) a été l'une des premières à offrir sur la toile une nouvelle image de la vie, particulièrement sensible dans la représentation de la femme nouvelle, pleine d'assurance, qui témoigne des bouleversements de la féminité comme de la masculinité. Ce même sens du style s'est trouvé reflété dans le culte futuriste de la vitesse, les formes des arts ménagers promulguées par le Bauhaus ou le dandysme d'un George Brummel. Le tableau le plus célèbre de Tamara de Lempicka, Autoportrait, ou Tamara dans la Bugatti verte, représente l'artiste rayonnante en dandy féminin à l'élégance nonchalante.
Que ce soit en tant qu'artiste art déco, postcubiste ou néoclassique, de Lempicka a profondément séduit un public cosmopolite - et fortuné - qui s'est reconnu dans son oeuvre.
C'est une rencontre avec un auteur et les différentes facettes de son ceuvre que propose l'oeil du poète. Une rencontre en forme de parcours à travers un choix de poèmes : découverte pour les uns, invitation à la relecture pour les autres.
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Lors de la vente organisée dans l'atelier de Delacroix en 1864, six mois après sa mort, le public et la critique furent stupéfaits de découvrir l'incroyable diversité des nombreuses œuvres présentées, qui révélaient la vision du monde d'un homme, un homme que Baudelaire admirait parce qu'il était, selon lui, le dernier grand artiste de la Renaissance et le premier peintre moderne. Mais Delacroix avait lui-même une idée bien précise de la place qu'il entendait occuper. S'inspirant de Rubens, pour son mode de vie aussi bien que pour son talent d'invention visuelle, il choisit d'associer l'ordre de la composition classique à une visée allégorique et symbolique universellement admise, pour tirer de cette alliance des œuvres d'une pureté et d'une sensualité inégalées. De l'accueil spectaculaire réservé à ses œuvres au Salon de 1824 aux grandes Scènes des massacres de Scio (tableau pour lequel son style fut pour la première fois qualifié de romantique), en passant par la dimension charnelle aussi libératrice que controversée de son Christ au Jardin des Oliviers, le génie de Delacroix, qu'il s'agisse de son talent graphique, de sa manière d'affranchir et de réinventer la couleur ou de sa façon de peindre les corps, n'a jamais été remis en question. Les nombreux carnets de dessins de Delacroix témoignent du souci constant de vérité qui gouverne le travail de l'artiste, aussi bien pour ses fantaisies à la Goya, dominées par l'horreur, la cruauté et le sacrifice, que pour ses immenses toiles historiques. Excessif, monumental, romantique, ce Victor Hugo de l'art s'est révélé d'une influence considérable ; des mouvements aussi différents que l'impressionnisme, l'expressionnisme ou la peinture abstraite de la moitié du siècle ont tous étudié de près sa technique.
